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Se expidió el jurado del Tercer Concurso Regional de Pintura del NOA

Influenciado por la globalización, el arte se vuelve cada vez más unipersonal con cierta dimensión universal por la divergencia de tendencias y lenguajes que se observan en las obras reunidas, por ejemplo, en eventos como éste. De ahí la importancia rescatada por el jurado del certamen, integrado por Carlos Rodolfo Alonso, el ingeniero Jacobo Fiterman y Eduardo Villar.
  • Publicado el 19/08/2012, 11:08
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Carlos Rodolfo Alonso, el ingeniero Jacobo Fiterman y Eduardo Villar

Con una generosidad extrema y una paciencia sin límites, el jurado del III Concurso Regional de Pintura del NOA 2012, se prestó a una entrevista que tuvo más visos de charla informal, pero que dejó varios conceptos importantes sobre las posibilidades que brinda un certamen de esta naturaleza, la que ponderaron los montos de sus premios; la importancia de respetar la voz interior, el propio lenguaje de cada artista en la concepción y logro de su obra; y sobre la diferencia de hacer arte en el interior y en la capital, que no es tanta, pero sí aporta posibilidades diferentes e irrenunciables para un adecuado crecimiento.
Carlos Rodolfo Alonso, el ingeniero Jacobo Fiterman y Eduardo Villar también hablaron sobre la diversidad de lenguajes y tendencias que se volvió a observar en esta tercera convocatoria y señalaron el crecimiento de algunos exponentes, lo que se reflejó en el hecho de haber sido seleccionados nuevamente o de haber estado en la selección de las ediciones anteriores y haber recibido un premio en esta ocasión.
Por lo demás, la entrevista es un camino que hay que recorrer paso a paso.

EL : ¿Cómo estuvo el trabajo de selección de las cerca de 300 obras presentadas?

Villar: Fue difícil porque había muchas obras y llegando a una selección más reducida se hace más difícil porque había cosas buenas. Finalmente, creo que llegamos naturalmente a una selección final de 43 artistas, y hablamos que las características que los trabajos comparten es que respetan su propio lenguaje a fondo, es decir que no contaminan su trabajo con otros lenguajes.

Alonso: Una de las pautas que signan de alguna manera el carácter del salón es la diversidad, hay tantas tendencias como autores, diría. Y esta selección ha recuperado, así como dice Villar, con total naturalidad, sin habérnoslo propuesto, tendencias distintas, y sin embargo en cada una de esas tendencias, el autor ha respetado a fondo su lenguaje y ha sacado el mejor partido sin recurrir a otros artificios, o a mezclar distintos lenguajes de distinta naturaleza, algunos lenguajes que son del rigor y otros que son de la artificialidad, hay mucho de eso. A veces, el autor, en el afán de reafirmar su lenguaje echa mano a cosas que empobrecen el propio resultado final de la obra. Porque parte final de la obra es parte del riesgo que corre al respetar sus propias y legítimas leyes de su personalidad: ‘Tomo de aquí y de allá’. No. Tomo siempre de mi propio abrevadero que es finalmente el que soy yo.

Fiterman: Es que hay una tendencia del uso de nuevos soportes en la pintura. Entonces, cuando se quiere incorporar, cuando uno quiere hacer esencialmente pintura agregar otros soportes la está empastando, le está quitando origen y verdad. Sin darnos cuenta, esto ha sido muy ecléctico porque hemos elegido todas las tendencias, porque como dice bien Alonso, lo que hemos respetado es la calidad de la pintura. Hay un trabajo serio y que se sostiene a sí mismo.
Yo recuerdo que Adami, que es un pintor italiano, una vez en una exposición dijo que él eliminaría todas las revistas de arte porque para lo único que sirven es para que otros vayan copiando las tendencias que están de moda. Esto es lo que se vio en muchos de estos cuadros: incorporar cosas que le son ajenas a la pintura que estaba mostrando, es decir tratando de copiar o agregar cosas que vio en una revista, en una exposición; y que da lugar a algo que se termina por no entender.

Alonso: que no pasa cuando uno ve un cuadro en vivo y en directo de una buena pintura es formativa, porque te está dando la verdad de la superficie. Es decir, tener presente el resultado final, aquello que después de muchas manos queda encima que es el resultado de ese esfuerzo, eso es una legítima experiencia que uno puede tomar. Mientras que la revista es un sub de sub, es un telegrama, y no es un mensaje. Por eso, a veces en el interior se siente esa falta de contacto con la buena pintura que es la que enseña de verdad; y el contacto emocional que solo se produce frente al cuadro y no con una reproducción.

Fiterman: Un cuadro que nos impresionó a todos fue el que resultó ganador del premio al mejor autor santiagueño, que si bien es algo bucólico, al mismo tiempo es moderno y respeta lo que es una buena pintura. Es un cuadro, si se quiere, un poco naif, pero está bien hecho y muy bien logrado el color, nos entusiasmó a todos. Éste nos llamó porque es algo distinto y al mismo tiempo permanente en la pintura.

Alonso: Todos los premios fueron elegidos en forma unánime.
EL: ¿Tuvieron oportunidad de comparar las obras de esta edición con las de las anteriores?

Alonso: Vimos los catálogos de los anteriores concursos y los conjuntos son parecidos: persiste la diversidad, las distintas tendencias, es muy parecido a este tercer conjunto.

Villar: Es más, muchos de los autores elegidos en esta edición estuvieron en la anterior también.

EL: ¿Se nota una evolución en estos trabajos?

Alonso: Sí, incluso hubo premiados que han subido de premio, es decir que han mejorado en su categoría.

EL: ¿Este grupo de obras les permite hacer un diagnóstico de la pintura en el NOA?

Fiterman: ¿Saben lo que es importante en las muestras? Que no hay un regionalismo, ni siquiera hay una situación que se pueda decir ‘de un país’. Los medios de comunicación son tan amplios y está todo en algún lado para verse, que es muy difícil encontrar cuando uno va a algún lugar, decir ‘ésta es la pintura argentina’, ‘ésta es la pintura sueca’. Hay como un común denominador. Aunque aquí, lo que yo he visto es que hay muchas de las pinturas están expresando algo que es regional, con técnicas que son universales.

EL: ¿Se puede hablar de diferencias a la hora de hacer arte en el interior y en la capital?

Alonso: Posiblemente la posibilidad de la frecuentación de las muestras itinerantes que le hacen al joven artista tener más amplias referencias sobre la producción internacional. Esa puede ser una diferencia, pero no creo que sea definitoria. Por los salones en los que yo he podido ser jurado, que no son muchos en los últimos tiempos, el síntoma éste de la diversidad y de la multitendencia se repite, sólo que ya los concursos empiezan a tener la necesidad de definir mucho más las categorías de los premios, como pintura figurativa, no figurativa, de fotografía, de investigación plástica o de contemporánea, nuevos lenguajes, en fin, los lenguajes se van multiplicando y ya se hace muy difícil comparar una materia con la otra.

Villar: Así es. Comparar pinturas de lenguajes diferentes y decidir por una de ambas, es como elegir no por una pintura o por otra, sino por la tendencia de ella está representando en una diversidad tan grande como ésta.

Fiterman: Sobre la base de las palabras de Carlos, a mí se me ocurre que teniendo esta fundación, con una tendencia y una idea de poder apoyar el arte, se podría también becar a artistas para que puedan participar de cursos o talleres de maestros en Buenos Aires, que al mismo tiempo le den una posibilidad. Yo recuerdo que cuando yo dirigía arteBA hace unos años, habíamos instaurado un sistema de becas para que desde distintas regiones del país manden a 10 artistas, nosotros les pagábamos el traslado, el hotel y algo para sus gastos y dentro de arteBA colgábamos todas sus obras. Fue así que quien ganó el primer concurso regional de pintura del NOA de la Fundación Cultural, el tucumano Roberto Koch, fue uno de ellos y desde entonces estableció contacto con una importante galería de Buenos Aires. Esto permite a gente del interior formar parte de lo que pasa en la Capital, que es muy importante.
EL: Claro, dar la posibilidad de profundizar su formación y vincularse…

Fiterman: Fíjese que los maestros modernos argentinos como yo los llamo, como Berni, Victorica entre otros, en su momento, todos fueron a París, a Europa, fueron a encontrarse con la gran pintura para poder expresarse en su propia pintura.

Alonso: A pesar de que ese centro cambió. Si yo hoy tuviera que hacer ese viaje, en vez de ir a Europa lo haría a América, a ver México, el arte precolombino. Porque de alguna manera tiene continuidad en cuanto a la propia vida. Cuando yo hice mi primer viaje a Europa, en realidad la pintura me dio un “uper kout” (risas), quedé grogui, me hizo mucho daño, porque en vez de confirmarme me quedó un campo de ambigüedades, de inseguridad, pero por qué, porque eran referentes muy lejanos, en ese momento los libros de arte eran muy mediocres y las noticias que se podían ver eran muy pobres. Así que fue muy fuerte, me costó mucho recuperar mi propia conducta, mi propia línea, mi propio yo pictórico. Después de muchos años cuando pude ver México, Perú y vi lo huacos por las calles, los rostros y esa realidad que es la cotidiana, resultó mucho más natural la inserción de eso en mi trabajo.

Villar: De todas maneras, todo esto que hay ahora de la circulación de la información tan rápida, aunque no sea tan completa como cuando uno ve una pintura frente a frente, hace que sea imposible imaginar donde fueron pintadas muchas pinturas. Puede haber algún indicio, pero es difícil decir ‘ésta pintura es de esta región’, ‘… de tal país’ o ‘… de aquel continente’. Está todo cada vez más diferenciado en este sentido. Estos concursos sirven para que estas identidades no se pierdan.

Alonso: Además, en este caso, es muy estimulante la dimensión que tienen los premios, que son verdaderamente grandes, muy generosos, que les permiten a sus ganadores mejorar mucho sus condiciones de trabajo y sus posibilidades de formación.


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